Любовь. Что это на самом деле? Влюбленность, симпатия, страсть, самоотверженность, жертвенность, нежность, муки, взаимность, флирт, чувственность, ревность – все это входит в понятие любовь? Наверное, ответа на эти вопросы не знает никто. Точнее, для всех ответ будет свой. С тех пор, как существует литература, писатели пытаются разгадать эту загадку. И создают такие истории любви, которые не оставляют равнодушными читателей даже спустя столетия. Конечно же, хореографы не могли оставить без внимания такие сюжеты, которые так и просились воплотиться на балетной сцене. Ведь любовь говорит именно через тела, жесты, прикосновения, взгляды.
Мы выбрали несколько таких шедевров. И расскажем об их самых ярких воплощениях на балетных сценах.
Александр Пушкин
«Евгений Онегин»
Пушкинский роман в стихах «Евгений Онегин» ставится на драматических сценах. Историю любви юной Татьяны экранизируют. Великий русский композитор Чайковский написал потрясающую оперу на этот сюжет. А на балетных сценах всего мира уже полвека идет балет «Онегин» (премьера — 1965 год) в постановке выдающегося Джона Кранко. Идея создания балета на пушкинский сюжет возникла у балетмейстера еще в годы его обучения в Sadler’s Wells в Лондоне в 1952 году при работе над хореографией танцевальных сцен к опере «Евгений Онегин». Однако вернулся Кранко к своим задумкам спустя много лет, став к тому времени уже известным балетмейстером. Для постановки балета «Онегин» Джон Кранко использовал музыку Чайковского. Но, создавая свою интерпретацию пушкинского романа, взял не оперу, а музыку из других произведений Петра Ильича, в том числе музыкальный цикл «Времена года», несколько инструментальных номеров из опер «Черевички», симфоническую поэму «Франческа да Римини», увертюру «Ромео и Джульетта».
Джон Кранко говорил о своем герое: «Онегин — молодой человек, обладающий, казалось бы, многими достоинствами — приятной внешностью, богатством, обаянием — и при этом ничего собой не представляющий. Именно это и пугает. Его проблема чрезвычайно актуальна — это непризнанность».
Внутренней пустоте Онегина Кранко явно противопоставляет Татьяну. Это видно в прекрасных дуэтах. Первый — страстный — возникает в воображении влюбленной девушки в сцене письма. Второй — нежный, с мужем, на петербургском балу. И третий — финал балета — драматичное прощание не только с Онегиным, но и с девическими грезами. Эти дуэты богаты и хореографически, и психологически. Роль Татьяны создавалась Кранко с учетом уникального актерского таланта прима-балерины Марсии Хайде. Возможно, именно дарование балерины натолкнуло хореографа на реализацию пушкинского романа. Балет «Онегин» был отмечен прессой как удачный возврат от одноактных и бессюжетных балетов к многоактному драматическому спектаклю, в котором танец и актерское мастерство успешно дополняют друг друга. А сам Джон Кранко никогда не скрывал влияния, оказанного на него лучшими образцами советского драмбалета.
https://www.youtube.com/watch?v=TUXj_YWYaQA
Хореограф Борис Эйфман в 2009 году поставил свой балет на тот же сюжет пушкинского романа в стихах. Эйфман использовал музыку Чайковского к опере «Евгений Онегин», однако добавил к ней музыкальные номера современного композитора Александра Ситковецкого. И главное — Эйфман перенес действие в Россию 1990-х годов. И балет называется «Онегин. Online». Одно из интереснейших и, в то же время, противоречивых творений балетмейстера. Сочетание классического произведения XIX века и сложных, пока ещё не очень понятных даже нам самим, событий 90-х годов XX столетия. Проникновенная музыка Петра Ильича и рок-зарисовки группы «Автограф», великолепные сольные партии и абсолютно фоновый кордебалет. Зрители тоже абсолютно противоположно воспринимают эту версию пушкинского романа. Кто-то восторгается новым переосмыслением, другие — не понимают, зачем современный сюжет притягивать к классике. Очевидно одно, что этот балет имеет успех благодаря невероятным солистам труппы Эйфмана, их дарованиям и индивидуальностям, которые, конечно, в полной мере раскрыл балетмейстер.
Борис Эйфман: «Почему я обратился к роману А. Пушкина «Евгений Онегин», что волнует меня сегодня в нем? Этот роман назван «энциклопедией русской жизни», в нем Пушкин прозрел и создал удивительно точный архетип русского характера своего времени, сотворил поэтический образ русской души, загадочной, непредсказуемой, необыкновенно чувственной. Всем своим творчеством я пытаюсь разгадать тайну русской души. Я перенес пушкинских героев в наши дни, в новые обстоятельства, более драматические, даже экстремальные, когда старый мир рушится и жизнь диктует новые правила.»
Мария Абашова в балете Эйфмана «Онегин. Online»
«Она глубже Онегина и, конечно, умнее его. Она уже одним благородным инстинктом своим предчувствует, где и в чем правда, что и выразилось в финале поэмы. Может быть, Пушкин даже лучше бы сделал, если бы назвал свою поэму именем Татьяны, а не Онегина, ибо бесспорно она главная героиня поэмы», — Федор Достоевский.
Так и поступил балетмейстер Джон Ноймайер, создав свой балет по пушкинскому роману и назвав его «Татьяна».
В 2014 году состоялась премьера сначала в Гамбургском балете, а затем в Музыкальном театре им. Станиславского и Немировича-Данченко. Ноймайер очень внимательно изучил произведение Пушкина, нашел в нем то, что было до этого не затронуто ни в опере, ни в балете, ушел от романтической интерпретации сюжета и музыки. Для нового балета была заказана новая музыка нашей современнице Лере Ауэрбах. Композитор написала для «Татьяны» музыку резкую и язвительную. С одной стороны — современную, с другой — вовсе нет. В «Татьяне» Ауэрбах много заимствований из русской музыки ХХ века — от раннего Шостаковича до Шнитке, а также цитаты послереволюционных «уличных» песен — «Бублики», «Цыпленок жареный», «Чижик-пыжик». Но именно это нужно было балетмейстеру — дисгармония, нерв, надрыв и гротеск.
«Для меня было важно найти то, что свело бы воедино разные стороны этого произведения. Я нашел — это Татьяна. Самое важное у Пушкина — это ее мечты, воображение, предчувствие чего-то нехорошего, предвидение того, что случится в будущем. Я это использовал: сплел такую сеть, паутину ее мечты, которая накрывает весь спектакль. В «Онегине» Кранко сюжет выстроен очень четко, линейно. Моя задача заключалась в том, чтобы осознать и показать уровень поэтический, который лежит под сюжетом», — Джон Ноймайер.
Ноймайер — балетмейстер, либреттист, режиссер, художник-постановщик и художник по костюмам в одном лице — сделал абсолютно авторский балет по мотивам Онегина. «Татьяна» Ноймайера — это еще и радикальная смена времени (30-50-е годы Советского союза), и перенос балета из реальности в область снов и мистики. Сны и видения играют в балете ключевую роль. Например, сон Татьяны предсказывает ее судьбу: медведь оборачивается будущим мужем, защитником и опорой, а Онегин — вампиром, соблазнительным, но пугающим.
«Суть Татьяны раскрывается в последнем диалоге с Онегиным, потому что здесь эта женщина достигает равновесия между вымышленным миром своих фантазий, иллюзий, мечтаний, с одной стороны, и тем состоянием, когда она может контролировать, обуздывать свои эмоции. Татьяна способна на это, в отличие от Онегина, который никогда так и не достигает такого духовного роста. Татьяна — центр романа, все развитие этого произведения заключено именно в ней», — Ноймайер.
Это сложный для восприятия русского зрителя спектакль, но исключительно интересный. Надо лишь забыть на несколько часов о пушкинском «Онегине» и смотреть ноймайеровскую «Татьяну».
«Татьяна» – Диана Вишнева и Алексей Любимов
Лев Толстой
«Анна Каренина»
«Задача воплощения образов Л.Н. Толстого на балетной сцене необычайно трудна. Как сочетать неизбежную условность хореографического театра с поразительным реализмом толстовской прозы? <…> Внимательно перечитывая «Анну Каренину», можно обнаружить, что могучий реализм Толстого становится «реализмом, отточенным до символа» (формулировка Вл. Немировича-Данченко), а это уже область доступная поэтике хореографического искусства», — Борис Львов-Анохин.
Воплощение трагической истории любви, написанной гигантом русской литературы Львом Толстым – одно из самых популярных в искусстве. Множество фильмов и драматических спектаклей. Конечно, и балетная сцена не могла остаться в стороне. Но как ни странно, всё начиналось именно с кино. На съёмках картины Александра Зархи. В экранизации «Анны Карениной» 1967 года роль Княгини Бетси сыграла Майя Плисецкая. А музыку к фильму написал Родион Щедрин, естественно, что у балерины возникла идея создания балета «Анна Каренина».
«На съёмках драматического фильма «Анна Каренина», в котором я выступила в роли княгини Бетси Тверской, мысль о хореографическом воплощении толстовского романа стала ясно витать в воздухе… Музыка, которую Щедрин написал к фильму, была театральна и пластична. Её можно было танцевать…» (из воспоминаний Майи Плисецкой).
В итоге Плисецкая решила сама поставить сцены с участием Анны, Вронского и Каренина, а массовые номера отдала помощникам — танцовщикам Большого театра и начинающим хореографам — Наталье Рыженко и Виктору Смирнову-Голованову. Премьера состоялась в 1972 году на сцене Большого театра. Огромное актёрское дарование балерины, довольно чувственные дуэты (особенно для 70-х годов в СССР), да и сама тема запретной любви, счастья и трагедии одновременно сделали этот спектакль очень популярным. Балет Плисецкой был перенесен в другие города Советского Союза, и, что очень важно для следующих поколений, снят на телевидении как фильм-балет. С кинематографа идея балета зародилась, и в кино же воплотилась.
Хореограф Алексей Ратманский в 2004 году поставил для Датского Королевского Балета свою версию балета на ту же музыку и с тем же либретто, что и в постановке Майи Плисецкой. А в 2010 году поставил свою «Анну» для труппы Мариинского театра. Возможно, что роль Анны Карениной в одном из самых востребованных спектаклей Ратманского станет ролью-мечтой для любой балерины. Очень плотная и интересная хореография, множество дуэтов с Вронским, танцевальные сцены с Карениным. Но также этот спектакль очень интересен актёрскими работами. Это тот редкий случай, когда хореография и драмтеатр не вытесняют друг друга, а сливаются в единое полотно.
В «Анне Карениной» Алексея Ратманского много кинематографичного. Место действия той или иной сцены проецируется на задник, создавая визуальный объём. Так же время от времени мы видим крупные планы главной героини, будто на большом экране, пронзительные взгляды, лёгкая полуулыбка. На сцене в натуральную величину выстроен вагон, который вращается вокруг своей оси. И зритель может видеть, как пассажиров, едущих в поезде, так и внешнюю часть вагона, на фоне которого происходят важные события.
«В романе «Анна Каренина» есть не только погружение в психологический мир героини, но и настоящее психоэротическое осмысление её личности», —Борис Эйфман.
«Балет Бориса Эйфмана»
В 2005 году Борис Эйфман показал свою версию балета «Анна Каренина». Для музыкального сопровождения он взял сборную партитуру произведений Чайковского, дополнив некоторыми электронными и механическими звуками. Балетмейстер создавал спектакль не о XIX веке, а о сегодняшнем дне (впрочем, такова особенность Эйфмана, в любом сюжете проводить параллели с современностью). Борис Эйфман в своей постановке сосредоточился на линии Анна-Каренин-Вронский. Балетмейстеру удались множество хореографических находок в создании любовных дуэтов. Очень реалистично и акцентировано показаны эротические сцены. Тем самым, еще более душераздирающе выглядит расставание, даже разрыв главных героев.
И все же самая гениальная (и здесь вполне уместен пафос) сцена — это смерть Анны. Никакого бутафорского поезда. Появляясь из темноты, машинисты в чёрных костюмах заполняют сцену. Двигаясь под механические звуки, танцовщики образуют чёрную массу и ритмично повторяют одни и те же движения. Зритель уже видит не артистов, а колёса, поршни, надвигающийся поезд. Анна идёт по платформе над сценой и бросается в эту страшную, надвигающуюся, механическую массу. Сам Борис Эйфман говорит о создании этой сцены так:
«Когда у меня что-то получается, я это чувствую, что это не от меня идёт, это идёт свыше. И я чувствую себя в этот момент Творцом! Вот, например, финал балета «Анна Каренина» я сделал за один день. Я еле успевал записывать информацию, которая во мне звучала, и передавать её артистам. Это что-то сверхчеловеческое. Это та сила, ради которой стоит жить… и стоит страдать».
«Эта книга не только о браке и морали, но прежде всего о взаимоотношениях личности и общества», — Кристиан Шпук.
Кристиан Шпук сочинил свою «Анну Каренину» в 2014 году для Цюрихского балета, а затем перенес в Москву. Несмотря на «западноевропейский взгляд» на роман, как выражается сам хореограф о своем произведении, он выбрал музыку одного из пронзительных русских композиторов — Рахманинова. А также контрастировал ее сочинениями Лютославского, Цицнадзе и Барданашвили. Некоторые сцены и вовсе идут под механические звуки, то изображающие стук колес поезда, то звук скашиваемой травы. В действие своего балета Кристиан Шпук включил помимо главной линии Анны-Вронского-Каренина еще две истории любви – Стивы-Долли и Левина-Китти. Конечно, они все равно показаны вскользь. Но у артистов открывается больше возможностей для творчества, в одном спектакле может быть сразу несколько интересных ролей. Да, возникают вопросы к целостности хореографического стиля, выбору произведений Рахманинова, к уместности смены реквизита и декораций во время самых затрагивающих душу танцевальных монологов Анны. В «Анне Карениной» Кристиана Шпука многое напоминает кино. Но стоит уточнить — очень красивое кино.
«Анна Каренина» Кристиана Шпука
Интересные факты:
Хореограф Андрей Проковский, рожденный в семье русских эмигрантов, поставил много балетов именно по масштабным произведениям литературы. Среди его балетов «Три мушкетера», «Живаго», «Ромео и Джульетта», «Великий Гэтсби», «Макбет» и другие. Не обошел он вниманием и роман Льва Толстого. Проковский поставил «Анну Каренину» на музыку Чайковского в 1979 году для Австралийского балета.
На сцену Мариинского театра балетмейстер перенес свою «Анну» в 1993 году. Критика разнесла премьеру Мариинского в пух и прах. Как писали газеты, «отличное пособие на тему «Их взгляд на наше всё». Балет Андрея Проковского не удержался в репертуаре, несмотря на блестящий состав исполнителей. Мало того, в этом же году, был поставлен театральный капустник «АнКа», где саркастически высмеивалась балетная премьера, и в конце вокруг огромного паровоза на сцене валялись части тела главной героини — символический смертельный приговор спектаклю.
А театральная публика Москвы с нетерпением ожидает новый спектакль «Анна Каренина», который поставит в Большом театре Джон Ноймайер. Остаемся в предвкушении.
Алишер Навои — Назым Хикмет
«Фархад и Ширин»
Древняя арабская легенда, которая из века в век получала литературные обработки. Последними были поэма Алишера Навои «Фархад и Ширин» и драма Назыма Хикмета «Ферхад и Ширин». Драматург Хикмет предлагал свое произведение многим театральным режиссерам. И даже выходили в свет постановки. Но… возникали, как говорится, трудности перевода. Конечно же, только балетное искусство могло передать без слов красоту древней восточной легенды. Либретто разработал сам Хикмет. И в 1961 году Юрий Григорович поставил в Театре оперы и балета им. Кирова спектакль «Легенда о любви», который стал одним из лучших на советской сцене и который стал поворотным пунктом в творческой судьбе хореографа.
Как писал в своей книге Вадим Гаевский, «После «Легенды» стало ясно, что Григорович — один, что ему нет равных ни среди молодых, ни среди старших и что родился, наконец, балетмейстер, способный осуществить долгожданный прорыв».
Светлана Захарова – Мехменэ Бану
В этом спектакле совпало все. Музыкальную партитуру к балету написал композитор Ариф Меликов. Этой музыкой восхищались современники, она прекрасно звучит и сейчас. Невероятная сценография Симона Вирсаладзе — творческого соавтора Юрия Григоровича. Минимум декораций. Но насколько образных и глубоких, будто книга восточных сказок, написанная арабской вязью. И вот гравюры этой книги оживают, становятся объемными. И зритель видит жертву Мехменэ Бану, чистую любовь Ширин, страдания и внутренние переживания главных героев, чувствует силу власти, мощь армии, потрясающую энергетику. И все это замирает, когда две женщины и один мужчина простирают друг к другу руки, и их сердца говорят о том, чего не выразить словами. Этот балет невероятно художественный, тонкий, чувственный и целомудренный одновременно. Все понятно, и все выражено танцем.
Мария Александрова и Владислав Лантратов
Интересный факт:
На премьере в Кировском театре главную мужскую партию в «Легенде о любви» должен был исполнять Рудольф Нуреев. Но из-за конфликта в театре этому не суждено было случиться. И уже став «невозвращенцем», Нуреев говорил, что сожалеет только о том, что не исполнил роль Ферхада.
P.S.
А как же «Ромео и Джульетта»? Да-да, одна из самых популярных историй любви на балетной сцене. Уильям Шекспир подарил хореографам столько сюжетов, что мы их выделили отдельной статьей. Ждите нашу Шекспириану.
Автор Вероника Варновская
